Artestetica News http://artestetica.org AKAA - ALSO KNOWN AS AFRICA Art & Design Fair http://artestetica.org/news/leggi/877/akaa---also-known-as/ Mon, 31 Jul 2017 10:12:34 +0200 There is a world out there that is in constant flux. This world to be shared is at the core of the adventure, the ineluctable project called AKAA.
AKAA stands for a multifaceted Africa, which transcends historical boundaries and whose voice resonates in the four corners of the world, carried by the vision of each artist.
Our Africa is fluid, complex and permeable. It influences and inspires the world by its capacity to innovate and create.
Within a site emblematic of the Parisian architecture, we conceived an event where African and global visions come together to draw a new map of the contemporary art scene.
AKAA is a collaborative project made possible by men and women who share a common passion: engage, transmit, share.
Last year saw the emergence of a chemistry, an effervescence, a positive energy conducive to establishing the market; artists, galleries and art lovers gathered in a welcoming, inclusive and professional space.
AKAA has demonstrated that joining forces and bringing together major actors of the emerging contemporary art scene from Africa can make a difference.
We are pleased to invite you on November 10-12 2017 to discover 38 galleries and 150 artists from 28 different countries inside the beautiful Carreau du Temple.
Four days to share the African energy, hear its hum and feel its vibration.


November 10-12, 2017
Carreau du Temple, Paris
www.akaafair.com

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AGNETTI. A cent’anni da adesso. A cura di Marco Meneguzzo http://artestetica.org/news/leggi/875/agnetti.-a-cent’anni-da-adesso./ Mon, 31 Jul 2017 09:44:20 +0200 Comunicato stampa

Dal 4 luglio al 24 settembre 2017, Palazzo Reale di Milano ospiterà la rassegna antologica dedicata a Vincenzo Agnetti (1926 – 1981), l’artista concettuale italiano che ha trasformato la parola in immagini iconiche e l’immagine in poesia.
La mostra AGNETTI. A cent’anni da adesso, promossa e prodotta da Comune di Milano-Cultura, Palazzo Reale e Archivio Vincenzo Agnetti, curata da Marco Meneguzzo insieme all’Archivio Vincenzo Agnetti, ci invita, attraverso un’analisi critica e “sentimentale”, a riscoprire l’universo artistico di Vincenzo Agnetti cogliendone l’originalità, il rigore critico, la poetica e la straordinaria contemporaneità.
Sono esposte più di cento opere, realizzate tra il 1967 e il 1981, che nel loro insieme restituiscono un’immagine chiara del percorso dell’artista: la sua tensione poetica e visionaria, lo spiccato interesse per l’analisi dei processi creativi e per l’arte come statuto, il suo ruolo di investigatore linguistico e di sovvertitore dei meccanismi del potere, inclusi quelli della parola scritta, detta, tradotta in immagini limpide ed evocative, perché per Agnetti tutto è linguaggio: “Immagini e parole fanno parte di un unico pensiero. A volte la pausa, la punteggiatura è realizzata dalle immagini a volte invece è la scrittura stessa”
La parola in tutte le sue opere non si limita dunque ai rapporti semiologici, come spesso accade nell’arte concettuale di quegli anni, piuttosto realizza immagini, suggerisce indagini, costruisce narrazioni. Agnetti utilizza il paradosso visivo e concettuale per creare cortocircuiti interpretativi pronti per essere elaborati e rivisitati dall’osservatore, affidando al pensiero di chi guarda lo sviluppo e il senso di quanto ha scritto e immaginato. Per lui è sempre stato importante che il visitatore continuasse a vedere la mostra, con gli occhi della mente, anche dopo essere uscito dalla galleria.

In mostra non potevano mancare i lavori più noti: Quando mi vidi non c’ero il suo Autoritratto, Gli Assiomi, Il Libro dimenticato a Memoria, La Macchina Drogata.
Tra i lavori esposti si potrà ammirare la stanza dedicata all’Amleto Politico e molti dei suoi lavori più significativi fatti utilizzando la fotografia: alcuni più noti come l’Autotelefonata, Tutta la Storia dell’Arte in questi tre lavori, l’Età media di A, altri meno noti quali Architettura tradotta per tutti i popoli e altri quasi mai visti come Riserva di caccia.
Sull’uso della fotografia sono esposte opere frutto di procedimenti alterati e interrotti che esplicitamente alludono al rapporto mezzo-messaggio. Le Photo-graffie, carte fotografiche esposte alla luce e graffiate a raffigurare i paesaggi della mente occupano un posto particolare: sono tra gli ultimi lavori e tra essi troviamo Le Stagioni, accompagnate dalla poesia I dicitori, che inaugura un nuovo corso di Agnetti, più lirico e poetico.
Non poteva mancare una stanza dedicata all’istallazione 4 titoli surplace: quattro grandi sculture i cui titoli sono rappresentati da fotografie che sono quattro scatti di momenti della sua performance La lettera perduta. Una di queste è stata scelta come immagine della mostra.
Infine citiamo il sodalizio con alcuni grandi artisti per i quali ha scritto e con i quali ha collaborato tra cui Manzoni, Castellani, Melotti, Claudio Parmiggiani, Gianni Colombo e Paolo Scheggi con cui ha firmato il Trono, lavoro a quattro mani di grande forza visiva e concettuale che sarà esposto proprio a Palazzo Reale per la prima volta dopo quasi 50 anni dalla sua prima esposizione a Roma.

Milano, Palazzo Reale
dal 4.7.2017 al 24.9.2017
a cura di Marco Meneguzzo


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Beyond Artistic Freedom: Halfway Point of documenta 14 in Kassel http://artestetica.org/news/leggi/874/beyond-artistic-freedom-halfway-point/ Fri, 28 Jul 2017 09:27:49 +0200
Since its beginning with my appointment as Artistic Director at the end of 2013, documenta 14 has been a vulnerable, demanding, and daring affair: rather than producing a singular statement in the form of one exhibition alone – and thus reproducing the modus operandi of similarly large contemporary art festivals – the artists, the team of curators, and all participants engaged in a prolonged period of complex experimentation in both cities, Athens and Kassel: a unique endeavor, which begs for an equally complex response and engages multiple forms of receivership. In fact, documenta 14 was set in motion as early as the fall of 2015, with the publication of the first issue of documenta 14’s four-issue magazine, South as a State of Mind, which will continue until the fall of 2017. The magazine and conferences marking the launches of its subsequent issues were followed by a series of semi-public performative encounters between the invited documenta 14 artists and Athenian audience (specifically art students as well as the Academy’s faculty members) within the framework of Continuum, realized together with the Athens School of Fine Arts. These meetings prepared the ground for the exhibition in both cities and preceded the inception of The Parliament of Bodies, inaugurated at the building of Athens Municipal Gallery at Parko Eleftherias in Athens (located in the historical complex that formerly hosted headquarters, detention center and torture chambers of the Greek Military Police during the period of the Dictatorship Colonels, 1967–1974). The Parliament, currently convening at Museum Fridericianum’s Rotunda in Kassel (the former site of ephemeral proto-parliament of the Kingdom of Westphalia, 1807–1813) will remain the living site for many voices channeled through documenta 14 the Kassel part of the exhibition concludes on September 17, 2017. In the meantime, documenta 14 includes several formats that transgress the usual dimensions of an exhibition alone: among them is the weekly broadcast Keimena on the Greek public television station ERT, which has been viewed, so far, by more than 600,000 people throughout Greece and will continue until September 18, and the transnational multi-radio broadcast (in collaboration with Deutschlandfunk Kultur) Every Time A Ear di Soun, heard as far as Rio de Janeiro, Jakarta, Barranquilla, Beirut, Douala, Washington DC, Athens, and Berlin. Together with a trilingual (Greek, German, and English) set of publications, including The documenta 14 Reader and the documenta 14: Daybook, as well as handy exhibition map booklets for each city, and the documenta 14 website, where almost all of the content of the Public Programs is live-streamed, and multiple newly commissioned texts appear, these formats enabled a significant extension of the agency of documenta 14 beyond the conventional outreach of an art show and create new forms of participation. documenta 14’s aneducation – a counter-pedagogical exercise in understanding and forgetting the already-known, centered on Walks led by members of the documenta 14 Chorus with international visitors of all age groups and coming from all walks of life in both cities of documenta 14 – further enhances the experience of documenta 14.
Last but not least, more than 160 living documenta 14 artists have been commissioned to realize mostly new works in both locations during what Olu Oguibe (himself a documenta 14 participating artist, and recipient of the 2017 Arnold Bode Prize) termed the “documenta 14 season” – a multiplicity of experiences opposed to mega-exhibitions, which remain locked between their singular opening and closing dates and bound mostly to one place.
As Artistic Director of documenta 14, I am proud of what we have managed to achieve so far together with the artists, writers, and other voices and bodies constituting documenta 14, including the team that produced and sustained the project and the team of documenta gGmbH that facilitated its realization with rare determination and insight. The efficacy of a possible political gesture within art field lies in its capacity to produce debates that transcend this exclusive field, and documenta 14 has very soon found itself embattled in discussions that show the larger resonance of the questions we asked and embodied through the essential curatorial, organizational and political decisions taken early in the project’s development, adopting a decidedly anti-essentialist stance and exercising irreverence towards the actually existing modes of spectacle production and spectatorship. The present is here and now – and the future is ours to see and shape. Aware of the irreconcilable conflicts, contradictions, and sheer miseries that came to define the moment and ways we live now, we wish to thank the public for taking part in documenta 14 and we encourage your further participation in the weeks to come, and beyond." (Adam Szymczyk, Artistic Director)

Halfway Point of documenta 14 in Kassel

documenta 14, which opened on April 8, 2017, in Athens and on June 10, 2017, in Kassel, is showing works by more than 160 artists in both cities over the duration of 163 days. After documenta 14 ended in Athens on July 16, 2017, 339,000 people had visited the forty-seven exhibition venues in Athens.
On Saturday, July 29, 2017, which marks the halfway point of the exhibition period in Kassel, documenta 14 will have attracted some 445,000 visitors, seventeen percent more than the last documenta at the same point.

“Looking back at the course of documenta 14 so far in Athens and Kassel, we can be very satisfied. The visitor numbers in Athens exceeded our expectations, making documenta the single most visited contemporary art exhibitions in Greece.
After three years of preparation, documenta has reached both a large domestic and a broad international audience.

documenta 14 in Kassel is clearly benefiting from the enormous media attention, the many worldwide reports, and the occasionally controversial discussions in the press that accompanied the Athens part of the exhibition two months before the opening in Kassel. Athens boosted the interest of visitors from southern Europe in particular, but also from Latin American countries. In Kassel, the outstanding visitor numbers and the large number of people taking tours is very gratifying. The great demand for season tickets reflects the need of the public, in keeping with the aims of documenta, to thoroughly reflect on the themes again and again.” (Annette Kulenkampff, CEO of documenta und Museum Fridericianum gGmbH)

On the tenth day of the exhibition in Kassel, 10,000 season tickets had already been sold and by the halfway point a total of 14,000 season tickets will have been sold. That already exceeds the number of season tickets sold at the last documenta. The accompanying Walks have also been met with great interest. At the halfway point, more than 54,000 visitors will have taken part in Walks. In addition, 20,000 students will have visited documenta by this Saturday.

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PELAGIE GBAGUIDI E I "FRAMMENTI" A DOCUMENTA 14 http://artestetica.org/news/leggi/873/pelagie-gbaguidi-e-i-frammenti/ Wed, 26 Jul 2017 10:36:38 +0200 Daniel Knorr, ad esempio, ha mandato a raccogliere frammenti di spazzatura per le vie di Atene e li ha sublimati inserendoli "tout court" in una serie numerata e firmata di "libri" contenitori. L'operazione si è ancor più concretizzata con l'utilizzo del ricavato della vendita di detti "libri" per generare il "fil di fumo" dalla torretta del Museo Fridericiano di Kassel.
Pelagie Gbaguidi, artista "regina" senegalese, ha invece mandato degli studenti a raccogliere, a Kassel, dei frammenti di residui di demolizioni edilizie (ceramiche, piastrelle, vetri, pezzi di mattoni) e li ha sistemati (con un buon effetto straniante) in un contenitore rettangolare nella galleria vera e propria della "Neue Galerie" insieme alla medesima istallazione di banchi di scuola e festoni bianchi disegnati a pastello che ha presentato ad Atene al Conservatorio.
La ricostruzione per Pelagie Gbaguidi consiste nell'opera di decolonizzazione della sua Africa attraverso la scuola e la presa di coscienza da parte delle giovani generazioni.
Ricostruzione che necessariamente deve pargire dal grado zero e dunque dal frammento.
E dove tutto questo, se non a Documenta che nasce a Kassel, simbolo della ricostruzione dopo gli abomini distruttivi della guerra? ]]>
IL MUSEO PLESSI AL BRENNERO http://artestetica.org/news/leggi/872/il-museo-plessi--al/ Fri, 14 Jul 2017 16:12:56 +0200
In tempi come questi in cui in Europa si chiudono frontiere e porti, si mettono fili spinati e si erigono muri neppure tanto metaforici, e al Brennero l'Austria preannuncia la dislocazione delle truppe e l'arrivo dei panzer per fermare i migranti, il Museo Plessi appare purtroppo quasi anacronistico.
Ai tempi, non proprio remoti, dell'apertura delle frontiere in Europa, fu indetto un concorso internazionale per celebrare con un'opera d'arte l'apertura anche di quello storico confine tra Italia e Austria.
Lo vinse Fabrizio Plessi che ideò un edificio plurifunzionale, quasi un "autogrill" che nella sua gran parte, e comunque in maniera "diffusa", raccoglie sue opere create per il luogo e che ripercorrono i temi cari all'artista che sono la natura e i suoi "elementi".
L'opera si trova sulla strada che dall'Italia porta a Kassel dove Documenta 14 ha come tema centrale il rapporto dell'arte con le dinamiche sociali ed economiche; proprio per questo motivo vogliamo considerare quello che è  chiamato il MUSEO PLESSI una delle opere di Documenta, un'opera che certamente rientra a pieno titolo nel "more geografico" di Adam Szymczyk. ]]>
I MANIFESTI DI DOCUMENTA http://artestetica.org/news/leggi/871/i-manifesti-di-documenta/ Fri, 07 Jul 2017 14:14:00 +0200
Le 14 edizioni di DOCUMENTA sono state scandite e rappresentate dai manifesti che hanno mantenuto lo stesso formato pur adeguandosi ovviamente allo "spirito del tempo".
Sarebbe interessante una riflessione meditata del rapporto tra ogni manifesto con la singola edizione. Si scoprirebbero tante cose della connessione stretta tra l'arte e le cose del mondo. Ad un primo sguardo dei manifesti delle ultime tre edizioni, ad esempio, possiamo subito notare che si è passati dalla multicolorazione ottimistico-floreale della edizione del 2007 (l'ultimo anno prima della crisi) a quella dai colori accesi ma monocromi del 2012 all'attuale del 2017 dove predominano il nero ed il marrone con, in alcuni manifesti, frecce "impazzite" verso ogni direzione (anno, il 2017, in cui la crisi da economica si è  traformata in politica, globale e...come direbbe Adam Szymczyk,  geografica).
Possono essere già questi ultimi tre da stimolo per  approfondite riflessioni.
Le immagini dei manifesti che pubblichiamo provengono direttamente dalla raccolta "ufficiale" ed "originale" del Municipio di Kassel. ]]>
Mario Schifano e la Pop Art Italiana http://artestetica.org/news/leggi/870/mario-schifano-e-la-pop/ Tue, 04 Jul 2017 17:09:05 +0200 Castello Carlo V, Lecce

Comunicato stampa

Dal 1 luglio al 23 ottobre si terrà nelle sale del Castello Carlo V di Lecce la mostra Mario Schifano e la pop art in Italia. Promosso da Theutra e Oasimed, in collaborazione con Galleria Accademia di Torino, con il patrocinio del Comune di Lecce e il sostegno di Axa Cultura, il progetto espositivo , a cura di Luca Barsi e Lorenzo Madaro, è dedicato a quattro maestri di primo piano della storia dell’arte italiana e internazionale del secondo Novecento:Mario Schifano, Franco Angeli, Tano Festa e Giosetta Fioroni. Il gruppo, denominato poi Scuola di Piazza del Popolo, è riuscito a far transitare nel mondo dell’arte motivi e oggetti provenienti dall’immaginario comune, dalla storia dell’arte e della vita, fornendo un contributo fondamentale all’arte contemporanea.

Un dipinto dell’artista Tano Festa, datato 1969 e composto da sei riquadri, è intitolato "Per il clima felice degli anni Sessanta". All’interno campeggiano i nomi di sei artisti: Francesco Lo Savio, Piero Manzoni, Franco Angeli, Mario Schifano, Enrico Castellani e quello dello stesso Festa. È il 1969 ma c’è già nostalgia di un decennio mitico che per l’arte italiana – tra Roma e Milano – ha rappresentato un punto di riferimento, anche nel clima culturale internazionale, anche grazie ad artisti stranieri che all’epoca frequentavano molto l’Italia. Dalle esperienze astratte e informali degli anni precedenti, si transita verso ricerche sfaccettate e complesse che riflettono, in contemporanea rispetto alle esperienze americane, sui concetti di riferimento della Pop Art: il mito, la società di massa, i paradigmi e i segnali della città metropolitana e il dialogo fecondo tra generi artistici e linguaggi. Naturalmente non si tratta di una rielaborazione passiva del grande movimento americano, che tra l’altro era sbarcato alla Biennale di Venezia nel 1964 provocando un certo scalpore. Al contrario, i protagonisti di questa rivoluzione artistica, tutta italiana e con tangenze internazionali, riflettono su temi e immaginari legati alla loro cultura visiva di riferimento. Al centro di tutto c’è Roma, città densa di stratificazioni, di prospettive sul presente e il futuro, vero e proprio laboratorio aperto di fermenti, anche grazie a gallerie come La Tartaruga e critici come Alberto Boatto, Palma Bucarelli e Maurizio Calvesi. È qui che si svolge l’esistenza – e la fervida esperienza artistica – dei quattro protagonisti della mostra.

La sezione principale ripercorre la straordinaria epopea di Mario Schifano (Homs, Libia 1934 – Roma, 1998). Dopo un periodo di azzeramento di radice concettuale, attraverso i monocromi (1960-1961), l’artista ricostruisce la sua narrazione insieme poetica e intellettuale guardando alla natura e quindi al paesaggio. In mostra due paesaggi anemici che evidenziano la smaterializzazione del colore, che diviene liquido, pur mantenendo la sua identità e la sua energica forza espressiva. In coincidenza con una mostra retrospettiva di Giacomo Balla (nel 1963), Schifano avvia una rivisitazione del Futurismo, il movimento italiano fondato nel 1909 grazie alle intuizioni di Filippo Tommaso Marinetti, Umberto Boccioni e dello stesso Balla, sostenendo idee rivoluzionarie dedicate alla velocità, al mito del progresso e alla commistione di linguaggi artistici, dalla poesia alla scultura, dal teatro alla cucina, al cinema. Al maestro italiano Schifano dedica un ciclo di opere, tra cui uno dei dipinti esposti in mostra; mentre al celebre ciclo Futurismo rivisitato a colori è dedicata una delle tele proposte nelle sale del Castello Carlo V. La celebre foto che ritrae il gruppo futurista è proposta come un’icona intramontabile di cultura e storia, ritoccata attraverso colori vivaci e segni veloci, pienamente in linea con una cultura visiva Pop. La televisione diventa per Schifano un primario punto di riferimento visivo, lo schermo tv diviene quindi un paesaggio da esplorare e fotografare per concepire tele che ritraggono brandelli di realtà filtrata dal tubo catodico (in mostra una tela degli anni Settanta che ben evidenzia questa declinazione di senso). Si prosegue poi con le opere degli anni Ottanta, in cui il colore assume una dimensione fondamentale, preannunciando gli sviluppi dell’arte italiana e internazionale, all’insegna di una riscoperta della dimensione eroica del quadro e di un ritorno alla pittura figurativa dopo anni di arte concettuale ed esperienze di azzeramento del linguaggio pittorico. 

I dollari americani, l’obelisco di piazza del Popolo e le svastiche sono al centro dell’immaginario di Franco Angeli (Roma, 1935-1988), che come un archeologo capta e riconosce l’importanza delle tracce del passato per sintetizzarle visivamente e riproporle nelle sue tele. In mostra una selezione di opere, alcune di grandi dimensioni, realizzate negli anni Sessanta, decennio fondamentale della sua parabola artistica. Alla dimensione pittorica rimarrà sempre fedele Tano Festa (1938-1988), eleggendo anch’egli a simbolo alcune declinazioni della storia e della storia dell’arte e dell’architettura. In mostra, tra altre, anche una celebre Persiana, in cui l’artista recupera l’elemento oggettuale e reale per fonderlo con la sua grammatica pittorica. La Scuola di Piazza del Popolo non era però composta esclusivamente da artisti uomini, tra l’altro celebri non solo per la loro genialità ma anche per la vita densa di incontri, esperienze estreme, droghe e amori turbolenti. Tra loro c’era una figura femminile insieme eterea e forte, come le sue opere: Giosetta Fioroni (nata a Roma, dove vive e lavora, nel 1932). In mostra opere molto rare degli anni Sessanta, in cui volti argentati delle sue figure femminili si costruiscono grazie a una sovrapposizione sentimentale di velature e segni leggeri, che oramai appartengono di diritto alla storia dell’arte contemporanea.

La mostra proporrà, inoltre, un ricco calendario (in via di definizione)​ di attività collaterali, tra talk, proiezioni e attività didattiche e divulgative.

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CIELI D' EUROPA http://artestetica.org/news/leggi/869/cieli-d-europa/ Fri, 30 Jun 2017 10:01:53 +0200 È Salvatore Settis che cita i due artisti quando si sono espressi sulla tragedia dell'11 settembre 2001, l'attentato alle Torri Gemelle di New York.
"Adepti - i terroristi - più o meno consapevoli della società  dello spettacolo profetizzata da Guy Debord questi nemici delle immagini le annientano si, ma su un palcoscenico, e allo scopo di produrre nuove immagini, quelle della loro distruzione."
Nel suo saggio intitolato "Cieli d' Europa" Settis affronta anche su questo versante il tema dell'icona e della iconoclastia (o comunque della distruzione) che ha permeato e permea  di sé la storia, quella religiosa e di conseguenza quella dell'arte, per giungere alla conclusione che il destino dell'arte è svincolato sia dalla volontà dell'artista sia dall'essere o considerarsi tale. L' arte, aggiungiamo noi, è connessa indissolubilmente con il mondo  e ne è  una componente ontica.
L' arte pertanto è soprattutto etica nella sua motivazione e necessità. Non hanno senso dunque le differenze e le catalogazioni: astratto, figurativo, geometrico, concettuale. Soprattutto quest'ultima  in quanto l'arte è  sempre "concettuale" nella spinta
di senso  fino al suo disvelamento.
Ecco perché gli artisti possono "nascere" concettuali o astratti e maturare figurativi o geometrici e viceversa, conservando la medesima forza espressiva e comunicativa.
Salvatore Settis pertanto ci esorta a guardarci dalla iconoclastia di tutti i tipi in quanto la distruzione dell'arte è un tutt'uno con la distruzione della civiltà. Come antidoto la parola chiave è "flourishing" che affonda le radici nella filosofia aristotelica che individuava la felicità nella concretezza della realizzazione del singolo all'interno della comunità.
La attuale situazione dell'occidente e dell'Europa è invece quella della chiusura a difesa di quanto si è raggiunto, condizione che impedisce ogni "fioritura".
Bisogna dunque metaforicamente ricominciare da "Atene" proprio come ha provato a fare Adam Szymczyk con la sua Documenta 14 "more geografico". Arte e forte impronta etica per una nuova "flourishing", per un nuovo"rinascimento" alla riscoperta dei valori e delle potenzialità culturali sommerse dalle distruzioni.
E Kassel è  proprio il luogo simbolico da cui far partire questo messaggio: ripartire dalla scalinata che va dalla Friedrerichsplatz alla Hauptbahnhof, costruita sulle macerie accumulate in quel luogo dopo la fine della seconda guerra mondiale. Poco dopo, con lo stesso spirito e dalle stesse "macerie" nacque Documenta.
Pensiamo si accompagnino bene a queste riflessioni le opere dell'artista senegalese EL HADJI SY, (degno prosecutore dell'opera del "presidente poeta" Leopold  Senghor), che è stato ospitato nella Documenta Halle. ]]>
RITRATTI IMMAGINATI DI SUONATORI CAMPESTRI http://artestetica.org/news/leggi/868/ritratti-immaginati-di-suonatori-campestri/ Tue, 27 Jun 2017 10:05:24 +0200
Che pittura nel secolo XXI avanzato? Tramonta per sempre il moderno e l'astratto, l'epoca dove sono nato e dove sono stato? Sorge il non più moderno? Pensieri tra gli altri mentre dipingevo i concerti sotto la topia, che è la vite sollevata.

Cose di sempre, musici con i loro strumenti.

Sono buoni, sono bravi, sono virtuosi?

Non è dato sapere perchè e per chi suonano...forse per se stessi.

Sono loro una cornice per introdurre gli sfondi? 

E gli sfondi  sono verosimili  vedute o miraggi lontani?

Piani multipli, uno dietro l’altro, materia, pigmenti, rimandi, echi.

E quando la pittura si estende e prosegue sulla cornice larga larga, diventa un riverbero, un'eco visiva... ]]>
OLAF HOLZAPFEL http://artestetica.org/news/leggi/867/olaf-holzapfel/ Tue, 27 Jun 2017 11:45:53 +0200
Anche la sua collocazione a Kassel fa parte della narrazione che questo artista porta a Documenta 14: una grande scultura gialla nel parco davanti all'Orangerie e una serie di sculture in vari legni naturali nel Palais Bellevue che si trova nelle vicinanze, palazzo che ha tutte le caratteristiche di una casa calda ed accogliente.
OLAF HOLZAPFEL lavora con mariali primari come il legno di vari tipi di alberi, per realizzare strutture primarie quali sono le intelaiature dei tetti e delle pareti portanti delle abitazioni europee dalla cinta alpino pirenaica in su, verso nord.
È questo un esempio di arte etica nel senso proprio del termine: arte che è  radicata nel reale dove l'uomo è stato  gettato e dove come prima necessità ha quella di proteggersi e di ripararsi.
Poi, solo poi, può pensare ad "abitare la terra poeticamente". ]]>
REGINA JOSÈ GALINDO http://artestetica.org/news/leggi/866/regina-josÈ-galindo/ Fri, 30 Jun 2017 10:11:55 +0200 (DOCUMENTA E ART BASEL: scontro continuo)

E' uno scontro continuo  è quello tra l'arte e il suo mercato. Art Basel è più rassicurante perché ci sono esposti, (per il mercato), gli artisti  "facili", quelli già entrati a far parte della storia dell'arte. Documenta è un'altra cosa, ci sono, come è stato detto non senza ironia, "frammenti sparsi per la città e lunghe didascalie che spiegano i percorsi ideativi".
Il mercato e "il mondo dell'arte" rassicurata non  possono darsi pace che si spenda un budget di 70 milioni di euro per "certe cose" da interpretare e da veder magari svilupparsi, avvilupparsi e crescere come ...poesia. Ne sa qualcosa, di questo continuo assalto di coloro che vorrebbero Documenta solo per il mercato, la curatrice della passata edizione, Carolyne Christov Bakargiev, che fu costretta a tagliare la sua relazione (troppo sognante), alla conferenza stampa, dal rumoreggiare e dai veri e propri insulti di questo tipo di "mondo dell'arte".
Forse anche  per questo il curatore di questa edizione ha annacquato il tutto dando tantissimo spazio ai suoi tanti collaboratori. Un curatore che ha dato, anche lui, molto spazio ad un modo di intendere l'arte come poesia "originaria", come esaltazione del "pensiero laterale", della riflessione fine a se stessa, o anche del pensiero militante e concreto, quasi da programma politico, tanto da prendersi anche del "comunista" da chi non gli ha perdonato neppure l'impostazione "more geografico" di Documenta 14. E di avere di conseguenza invitato solo determinati artisti.
Uno di questi artisti che proclama senza nascondersi le sue idee attraverso la poesia del proprio corpo usato metaforicamente come bersaglio è REGINA JOSE' GALINDO che nella performance dei giorni della presentazione alla stampa prima dell'apertura al pubblico, si è messa al centro di una stanza a farsi bersaglio di quattro fucili da guerra posti all'esterno, ai quattro angoli della stessa. Poi, nei giorni di apertura, il protagonista sarà lo spettatore al quale sono dedicate le istruzioni scritte  nel cartello di presentazione dell'opera ove è tra l'altro scritta l'alternativa che abbiamo tutti davanti:  YOU CAN CHOOSE TO BE THE OBJECTIVE OR THE OBSERVER. ]]>
DOCUMENTA 14 KASSEL http://artestetica.org/news/leggi/865/documenta-14-kassel/ Thu, 15 Jun 2017 16:15:38 +0200 Preformance di Zafos Xagoraris

Xaipete vuol dire benvenuto. L’installazione-performance di Zafos Xagoraris è posta all’ingresso ferroviario del dismesso tunnel sotterraneo della stazione di Kassel che accoglie pure  le istallazioni di altri artisti. Si accede al tunnel  anche dalla piazza della stazione ( Hauptbahnhof-Kulturbahnhof)  da un vecchio container. E’ il saluto che l’artista dà ai visitatori di Documenta 14 ed è anche, ovviamente, un inno all’accoglienza in generale.
Lo striscione con la scritta “XAIPETE!” è posto su quattro pali sormontati da bandiere; intorno ad essi, alla base, il terreno è stato dissodato, zappato e ripulito dalle erbacce. Alla base dei pali una giovane ragazza ha messo a dimora e “lega” con gesto “contadino” delle piante rampicanti per aiutarne l’attacco e lo sviluppo in verticale sui pali stessi. Le metafore contenute  in queste azioni e in questi gesti sono plurime, chiare  e tutte volute. Si tratta dell’ennesimo invito raccolto dagli artisti a vedere e interpretare Documenta 14 “more geografico”, come auspicato del suo curatore Adam Szymczyk,  con tutto quanto, soprattutto di questi tempi,  ne consegue.
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DOCUMENTA 14 http://artestetica.org/news/leggi/864/documenta-14/ Thu, 15 Jun 2017 16:31:29 +0200 MARIE COOL E FABIO BALDUCCI
Performance nella performance

Molti artisti partecipano a Domumenta 14 sia ad Atene sia a Kassel. Tra questi Marie Cool e Fabio Balducci, francese lei, italiano lui, che lavorano in coppia da quando hanno abbandonato le precedenti esperienze artistiche (danza e arti figurative).
La loro azione è concentrata sugli aspetti della vita sociale quotidiana dai quali traggono la scena delle loro video-performance. Di preferenza ambienti lavorativi, con mobili e oggetti da ufficio, scrivanie, armadi, risme di carta da copiatrice, scotch ecc.
Agisce nelle performance prevalentemente solo Marie Cool e quella realizzata a Kassel consiste nel seguire con il tatto dei polpastrelli di una mano lo scotch attaccato da un mobile all'altro ad altezza tale da poterlo raggiungere  alzando tutto il braccio.
L'effetto è   straniante, quasi da teatro dell'assurdo. Tanto che il giorno 7 giugno 2017 alla prima performance per la stampa, una degli addetti alla sorveglianza, che evidentemente non conosceva Marie Cool e non era neppure stata informata del contenuto della performance, l'ha scambiata per una disturbatrice e ha tentato di impedirle di continuare a "strusciare", camminando, i polpastrelli di una mano sul "filo" di scotch teso. Imperturbabile e senza profferire parola o mostrare disappunto la Cool ha fatto capire con la continuità della sua azione, all'addetta, (che in quel momento avrebbe voluto sprofondare) che lei ...doveva continuare...
Si è  trattato in definitiva della riprova dell'efficacia e della "necessità" del lavoro dei due, che ha come motivo originario la "rivolta calma" nei confronti dell'alienazione e dello sfruttamento che l'uomo subisce nell'ambiente di lavoro. Lo straniamento e l'alienazione  cercato nella rapprentazione della performance ha avuto un effetto raddoppiato, quasi da performance nella performance e per di più  inaspettato non voluto e imprevisto, avvenuto addirittura a Kassel, con protagonista, una "lavoratrice occasionale", categoria a maggior ragione nei pensieri e nelle motivazioni di Marie Cool e di Fabio Balducci.
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Skulptur Projekte Munster http://artestetica.org/news/leggi/863/skulptur-projekte-munster-/ Tue, 13 Jun 2017 18:53:01 +0200
E' la quinta edizione. Le precedenti, (ogni 10 anni) si sono tenute nel 1977, 1987, 1997, 2007.
35 gli artisti internazionali invitati. Skulptur Projekte  tradizionalmente  presenta le opere in spazi pubblici, prevalentemente all'aperto e integrate con la città.
Quest'anno anche Munster (come  la vicina Kassel che inaugura negli stessi giorni) si sdoppia e coinvolge nel progetto  anche la vicina città di Marl.


Questi gli artisti presenti:

Ei Arakawa,
Aram Bartholl,
Nairy Baghramian,
Cosima von Bonin,
Andreas Bunte,
Gerard Byrne,
“Camp” with Shaina Anand Sukumaran,
Michael Dean,
Jeremy Deller,
Nicole Eisenman,
Ayşe Erkmen,
Lara Favaretto,
Hreinn Fridfinnsson,
Monika Gintersdorfer  and Knut Klaßen,
Pierre Huyghe,
John Knight,
Xavier Le Roy  with Scarlet Yu,
Justin Matherly,
Sany (Samuel) Nyholm,
Christian Odzuck,
Emeka Ogboh,
Peles Empire with Barbara Wolff and Katharina Stöver,
Alexandra Pirici,
Mika Rottenberg,
Gregor Schneider,
Thomas Schütte,
Nora Schultz,
Michael Smith,
Hito Steye,
Koki Tanaka,
Oscar Tuazon,
Joelle Tuerlinckx,
Cerith Wyn Evans,
Herve Youmbi,
Barbara Wagner and Benjamin de Burca ]]>
Infinite Drawing http://artestetica.org/news/leggi/862/infinite-drawing/ Tue, 13 Jun 2017 11:07:24 +0200 All'interno compaiono saggi dello stesso autore, di Giovanni Gardella, Ferdinando Creta, del poeta Giancarlo Majorino, di Wolfgang Ullrich e un nutrito numero di immagini di pitture e disegni. Il volume raccoglie, in maniera ben articolata, ciò che il pubblico ha avuto modo di vedere e leggere in occasione delle mostre allestite presso il Museo d'Arte Contemporanea ARCOS di Benevento e al Palazzo Borromeo di Cesano Maderno tra il marzo e il giugno del 2016.
L'idea del disegno, che è alla base del lavoro di Finelli, viene analizzata con acume ed essenzialità da Giovanni Gardella che ne sottolinea l'aspetto costruttivo e la relazione con l'attività critica di riflessione svolta dall'artista. Infatti, potremmo interrogarci sul senso del disegnare e dipingere oggi, in un contesto culturale e artistico volto alle più variegate sperimentazioni linguistiche, le quali si muovono sullo sfondo di una produzione grafica industriale a dir poco oceanica, pervasiva a tutti i livelli della vita sociale. Wolfgang Ullrich, professore all’Art Research and Media Theory at the Karlsruhe University of Arts and Design, scrive che l'opera di Finelli è la conferma che disegno e pittura “non hanno perso alcuna della loro valuta”: il che significa che non ci sono ragioni necessarie e sufficienti per espungere dal territorio dei media, alcunché. Insomma, l'obsolescenza dei medium, nell'arte, è un falso problema, poiché il processo artistico è un processo ermeneutico, o se si vuole auto-maieutico, che apporta nuova luce nel mondo. Dunque, nessun timore reverenziale nei confronti dell'oceanica produzione immaginifica e industriale, con i suoi trucchi ed artifizi, troppo spesso opaca, assorbente e poco radiante. Invece la verità dell'arte, come suggerisce Finelli, sta sempre in un altrove. Con la sua opera e la sua riflessione, l’artista ci conduce in una dimensione che potremmo dire concettualmente aperta, o spiritualmente disponibile, come è aperto il flusso di coscienza dell’artefice che sceglie di rapprendere l'istante nel coagulo della sua rappresentazione. Ma, per Finelli, nel leggere il libro e le varie testimonianze, sarebbe forse più appropriato parlare di apparizione. L'apparire dell'immagine, del segno, dal nero profondo, ha a che fare con la temporalità legata al linguaggio specifico del mezzo: ciò implica una scelta a priori, già un orientamento di fondo o, se si vuole, un disporsi. Ora, sappiamo che Finelli entra nel flusso di un film, in particolare i Noir, e lavora sul fermo immagine; dalla temporalità dell'immagine filmica passa alla temporalità del disegno e della pittura. Pur sussistendo delle differenze, cinema e pittura (ovviamente non tutta) sono accomunate dall'élan vital della narrazione. La dimensione materica del disegno realizzato da Finelli con semplici mezzi, pastelli, matite, o il pastoso colore ad olio delle tele si contrappone  all'impalpabile materia del film. E quindi passare dall'impalpabile al tangibile, dallo schermo alla pelle del quadro sembra presentarsi come un viaggio nell'altrui mondo, per “portar fuori dall'archivio del tempo,- come sostiene l'autore di Infinite Drawing- l'istante programmatico che ha determinato quel tipo di percorso, quel tipo di opera.” Per Finelli la temporalità del disegno, e della pittura,  ha a che fare con la rammemorazione, che innesta la sua potenza sulla reversibilità del tempo interiore. Il fotogramma sospeso, osservato, contemplato, si trasforma in materia viva che da vita ad altra vita. In questo processo il disegno si presenta come un esercizio spirituale insostituibile, un lavoro quotidiano su di sé. Giancarlo Majorino, con la sensibilità che soltanto un grande poeta può avere, della ricerca di Finelli ne sottolinea il carattere temporaneo. “Un titolo appropriato – scrive il poeta in riferimento alle opere dell'artista - potrebbe, dovrebbe quasi essere: “temporaneamente”. In quest'ultimo avverbio, ci pare di scorgere, tutta intera, l'infinita problematica che caratterizza la ricerca artistica contemporanea, che si pone all'insegna dell'attraversamento di un guado infinito. Soltanto la potenza dell'immaginale che racchiude e coltiva l'humanitas può presentarsi come terra sulla quale approdare, come riva del fiume in attesa delle nuove orme.
Per l'artista, a ben vedere, anche l'allestimento della mostra Infinite Drawing, dalla quale sono state tratte le opere e le suggestioni del libro,  è concepito in questo modo. “Per questo, – scrive Finelli – la mostra si compone di opere cronologicamente anche distanti nel tempo, tuttavia accomunate dal medesimo segno distintivo che ha nel disegno, quale momento conoscitivo e di costruzione del mondo, la sua apicalità... Quest'andirivieni, conferisce una diacronicità all'arte, all'opera dell'artista, che non vuole apparire nel presente una lettura aggiornata di ciò che fu. Una mostra, per come la intendo io, è quasi una verifica fattuale, una rimessa in circolazione (sono sempre in circolazione) dei dispositivi interroganti che gettano nuova luce sul sé e sul mondo.” In un presente tecnologicamente avanzato l'idea di tracciare con una matita bianca dei segni su una nera carta è un invito rivolto a chi è capace di riaprire la dimensione magica dell'esistenza. In fondo, come affermava Keith Haring, citato dal direttore di Arcos di Benevento Ferdinando Creta, “l’arte del disegno  è fondamentalmente ancora la stessa fin dai tempi preistorici. Essa unisce l’uomo e il mondo. Vive attraverso la magia.”



Pietro Finelli, INFINITE DRAWING
Edizioni MIMESIS- Art Theory, 2016
Euro  22.00
ISBN 978-88-5753-823-5 ]]>
DOCUMENTA 14 KASSEL STADTMUSEUM http://artestetica.org/news/leggi/861/documenta-14-kassel-stadtmuseum/ Tue, 13 Jun 2017 10:38:00 +0200
Da quando sulla terra è  comparso l'homo sapiens sono iniziati i problemi. Quello di Neanderthal non aveva "pensiero laterale", non si occupava dell'inutile, non aveva fantasia e sprattutto non "creava mondi". Il sapiens ne cominciò  a creare fin troppi e ora è anche capace di distruggere completamente l'unico mondo reale che c'è!
Studi antropologici e anche archeologici sono infatti giunti alla conclusione che tutto questo, che sia buono o cattivo, è stato detrminato da una variante dell'evoluzione che introdusse nell'uomo la capacità e la necessità della poesia o di "fare arte" come diremmo noi.
Nel creare e distruggere mondi c'è tutta la forza dell'arte che dunque a volte è anche "cinica". Nel senso che  fa girare quasi a vuoto l'intelligenza solo per riflettere su cosa potrebbe avvenire data una certa premessa o su cosa è avvenuto o sarebbe potuto avvenire ad esempio con lo stratificarsi degli effetti del decorso del tempo nella storia. Una sorta di archeologia wuasi inventata.
A Documenta 14 molti sono gli artisti che si concentrano a riflettere sull'esistenza in maniera che può apparire oziosa o senza costrutto: noi sappiamo che l'arte e la poesia sono  proprio lì.
Come nel lavoro, (durato tanto, 25 anni), di HANS EIJKELBOOM, olandese del 1949, che ha raccolto con la macchina fotografica, gruppi omogenei di "superficialità"  di persone per lo più rappresentate attraverso veri e propri pretesti (donne e uomini in atteggiamenti e azioni quotidiane simili, differenti ma analoghi vestiti o accessori ecc.).
Il pensiero e la  giustificazione di fondo non sono  sociologici o scientifici. È  solo un modo di usare l'intelligenza "puramente", senza secondi fini: cinicamente, ma in senso buono. Se proprio vogliamo aggiugere senso possiamo riandare alle stratificazioni archeologiche dei millenni che ci hanno preceduto e pensare di agevolare il lavoro degli archeologi del futuro, anche di quelli che verranno dopo che noi ci saremo autodistrutti.
Questo, a ben vedere è  l'unico modo di fare arte, liberi da qualsiasi sovrastruttura: pensare e agire con ironica leggerezza, quasi come in un gioco che aiuta ad evitare inutili e comunque pesanti riflessioni, che sono proprie "di chi non è convinto" che   "tanto di noi si può fare senza" (Paolo Conte). ]]>
Documenta 14 http://artestetica.org/news/leggi/860/documenta-14-/ Tue, 13 Jun 2017 10:10:42 +0200
Alexis Akritakis, Geers, Janis Psicopedis, Andreas Angelidakis, Chrissa, Takis, Jannis Kounellis, Lukas Samaras, Yannis Boutelas, Pedro Cabrita Reis, George Madjimichalis, Bia Davou, George Lappas, Stefen Antonakos, Aspa Stasinopulou, Piotr Konvalski, Nikos Kessanlis, Carlos Garnaicoa, Haris Epaminonda, Stefanos Tsivopukos, Jan Fabre, Minos Tranos. ]]>
Kassel, la città di Documenta http://artestetica.org/news/leggi/859/kassel,-la-città-di-documenta/ Tue, 13 Jun 2017 09:42:34 +0200 L'inaugurazione di Documenta è, per questa simbiosi a tutto campo, festeggiata "dentro" il palazzo comunale (se ne utilizzano saloni, uffici, il cortile e ovviamente la mensa) e la situazione che si viene  creare assomiglia ad una festa tipica  tedesca con musica ma anche zuppa di patate, salsicce e tanta birra. Festa nella quale si finisce anche per parlare veramente del "perché dell'arte"! ]]> Documenta 14. La conferenza stampa http://artestetica.org/news/leggi/858/documenta-14.-la-conferenza-stampa/ Mon, 12 Jun 2017 09:14:00 +0200 LA "CONFERENZA STAMPA"

Il ricordo va subito ad Atene e nel confronto la differenza è notevole. Più calda e "artistica" la prima e molto più partecipata della seconda, che è apparsa per quello che ormai è diventata: un rituale stanco. I curatori a parlare da un (molto bello!) leggio dal quale però  sembravano degli "officianti" quasi religiosi. Inoltre troppe e forse inutili le solite motivazioni sociali, economiche, etniche ecc. da loro portate: sopravanzano le questioni artistiche e ne appaiono lontane. Troppa responsabilità  viene data all'arte quando ci si chiede "che cosa è" e non il perché della sua esistenza.
Forse Adam Szymczyk lo ha capito e, ultimo della fila, ha detto subito "sarò breve": e lo è stato. ]]>
INAUGURA DOCUMENTA 14 A KASSEL http://artestetica.org/news/leggi/857/inaugura-documenta-14-a-kassel/ Thu, 08 Jun 2017 09:36:27 +0200
I luoghi in cui Kassel ospita tradizionalmente la manifestazione sono  il Museo Friedericiano, la Neue Galerie, la Stadhalle, il Glasse Pavilon e il parco Auerdam. Altri luoghi sono la Hauptbanhoff, il cinema Gloria e il percorso pedonale storico che va dalla Friederich Platz alla Stazione (Hauptbanhof), percorso che fu "inbentato" per coprire  le macerie della città che vi erano state accumulate. Fu il primo atto di ricostruzione della Kassel completamente distrutta durante la seconda guerra mondiale. È  da questo preciso punto che parte   il messaggio di arte e di pace che Documenta ogni cinque anni continua a mandare all'intero mondo. ]]>